Laurent tourelle
«Autoportrait en femme martyre», ca. 1615 (Photo: Domaine public Wikimedia Commons )
Par souci de commodité, les principaux mouvements de l’histoire de l’art sont souvent associés à des personnages uniques et pionniers.
Le succès de l’impressionnisme, par exemple, est souvent attribué à Claude Monet, tandis que Salvador Dalí est souvent considéré comme le seul architecte du surréalisme. En plus de simplifier excessivement la complexité de ces genres, ce système d’attribution est toutefois un peu faux, car les artistes femmes sont rarement incluses dans la course.
Artemisia Gentileschi est un excellent exemple de femme peintre éclipsée . Bien que née dans une famille accomplie sur le plan artistique et même acceptée dans une prestigieuse école d’art, elle a toujours été négligée au profit de Caravaggio , un peintre contemporain à qui l’on attribue le rôle de fer de lance du mouvement baroque .
Heureusement, aujourd’hui, de plus en plus de musées, de livres d’histoire de l’art et d’autres communicateurs de la culture commencent à faire la lumière sur cette figure éclipsée – et sur la puissante histoire qui se cache derrière ses peintures les plus célèbres.
Voici cinq des plus importants chefs-d’œuvre d’ Artemisia Gentileschi.
SUZANNE ET LES AÎNÉS (1610)
«Susanna et les aînés», c. 1610 (Photo: Domaine public Wikimedia Commons )
En 1593, Artemisia Gentileschi est née à Rome. Avec le père du célèbre peintre toscan Orazio Gentileschi, Gentileschi a été exposé à l’art dès son plus jeune âge. Adolescente, elle a travaillé aux côtés de son père dans son atelier, où elle a appris les rudiments de la peinture et a achevé Susanna et les aînés , sa plus ancienne œuvre d’art connue.
Achevée quand Gentileschi n’avait que dix-sept ans, cette peinture à grande échelle représente une scène biblique. Elle montre que Susanna, une femme hébraïque mariée, a été harcelée et attaquée par deux hommes alors qu’elle se lavait. Après avoir refusé d’avoir des relations avec les assaillants, Susanna est soumise à un chantage et est jugée à tort pour adultère. Cependant, son mari, Daniel, souligne le caractère injuste de l’accusation et, à son tour, les accusateurs sont interrogés. Après avoir échoué à raconter des histoires, les hommes sont mis à mort.
Gentileschi a reproduit cette scène dans ce qui allait devenir son style: une approche réaliste de l’anatomie féminine, une palette de couleurs profonde et une utilisation habile de la lumière et des ombres. Mais surtout, elle a jeté les bases de l’objet de prédilection de Gentileschi: des figures féminines fortes de la mythologie, de la Bible et de contes allégoriques.
JUDITH TERRASSANT HOLOPHERNE (1614-1620)
«Judith tuant Holopherne», 1614-1620 (Photo: Domaine public de Wikimedia Commons )
La focalisation à long terme de Gentileschi sur des sujets féminins a également été façonnée par un événement survenu la même année où elle a terminé Susanna and the Elders . En 1610, son père collabore avec un artiste italien, Agostino Tassi, à un projet à Rome. Pendant ce temps, Tassi a violé la jeune fille de 17 ans, poussant son père à porter plainte. Bien que Tassi ait été exilé pour son comportement – ce qui incluait également des accusations distinctes comme le vol et l’intention de meurtre -, sa condamnation n’a jamais été appliquée.
Gentileschi, cependant, a cherché sa propre forme de vengeance. En 1610, elle peint Judith Slaying Holopherne , une pièce relatant une histoire de l’Ancien Testament dans laquelle une veuve et sa servante maîtrisent, voire décapitent, un homme lascif et menaçant. Étant donné le moment où le tableau a été achevé, beaucoup pensent que Gentileschi a canalisé sa propre agression (et les sentiments qui en résultent pour Tassi, représenté par un holopherne saignant) lors de la composition.
En 1614, Gentileschi revint sur ce thème en produisant un deuxième exemplaire de Judith Slaying Holopherne . Avec une palette de couleurs plus vive et des contrastes accrus entre la lumière et l’obscurité, cette œuvre ultérieure caractérisera finalement toute son œuvre.
JUDITH ET SA SERVANTE (1625)
«Judith et sa servante», 1625 (Photo: Domaine public Wikimedia Commons )
Entre 1623 et 1625, Gentileschi revit à nouveau l’histoire de Judith. Dans Judith et sa servante, elle capture l’instant suivant l’assassinat, lorsque l’héroïne et sa servante déposent la tête décapitée d’Holopherne dans un sac.
LUCRETIA (1625)
«Lucretia», 1625 (Photo: domaine public Wikimedia Commons )
La représentation de Judith par Gentileschi ne serait pas le dernier exemple de l’artiste qui explore les effets du harcèlement et du viol dans son travail. En 1623, elle peint Lucretia , une œuvre représentant une femme sur le point de se suicider. Lucretia, une noble dame de la vie réelle, a choisi de se suicider après avoir été vi%lée par Sextus Tarquinius, fils d’un roi étrusque.
AUTOPORTRAIT COMME ALLÉGORIE DE LA PEINTURE (1638-1639)
«L’autoportrait comme allégorie de la peinture», 1638-1639 (Photo: Domaine public Wikimedia Commons )
Le penchant de Gentileschi pour peindre des femmes ne se limitait pas à de vieilles histoires bibliques et à des contes anciens. En fait, elle s’inspirait parfois d’une figure contemporaine: elle-même.
En 1639, Gentileschi acheva son auto-portrait le plus célèbre, l’ autoportrait en tant qu’allégorie de la peinture . Dans cette peinture unique, l’artiste s’imagine comme une allégorie – une approche créative qui intègre subtilement ses vues féministes. « Elle tient un pinceau dans une main et une palette dans l’autre », explique le Royal Collection Trust , « s’identifiant habilement en tant que personnification féminine de la peinture – ce que ses contemporains masculins ne pourraient jamais faire. »
